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Renzo Ortega: Planificando el legado de su carrera artística de 25 años

El artista Renzo Ortega había estado pensando mucho en 💹 cómo aprovechar al máximo el gran volumen de obras de arte que había acumulado a lo largo de sus 25 💹 años de carrera. Dos salas de almacenamiento, una en su país natal, Perú, y otra en Carolina del Norte, donde 💹 vivía, ya estaban repletas de cientos y cientos de pinturas. Cada una mostraba diferentes estilos artísticos, desde el arte folclórico 💹 hasta el expresionismo y los patrones prehispánicos, incluyendo paisajes vibrantes y obras que capturaban la realidad y las contribuciones de 💹 inmigrantes latinos como él a la vida estadounidense.

La vida es corta e impredecible, reflexionó en la noche de su 50 cumpleaños, y la muerte 💹 es la única verdad para un artista a medida que envejece. "Nada garantiza que lo que produce un artista genere 💹 éxito financiero o reconocimiento cultural", dijo a The Guardian. Algo era seguro: "Si una galería no me ha representado a 💹 los 50, nunca lo hará".

Al menos, el futuro estaría claro para sus obras de arte.

Al pensar en su legado, también 💹 se planteó la pregunta: ¿qué significaba el éxito para los artistas fuera del establecimiento del mundo del arte? En la 💹 ciudad de Nueva York, Ortega estudió en la Arts Student League y obtuvo su MFA en Hunter College. Sus 25 💹 años de trayectoria incluyen más de 40 exposiciones individuales y colectivas en galerías y museos locales, además de enseñar pintura 💹 en prestigiosos departamentos de arte y ganar más de diez subvenciones. A pesar de estos logros, "voy a una feria 💹 de arte o tengo una exposición, escucho cómo a la gente le encanta mi trabajo, y luego todas las obras 💹 de arte regresan al cuarto de almacenamiento, sin venderse", dijo.

En un mercado de arte hundiéndose donde, el año pasado, las 💹 subastas globales de arte fino cayeron un 27% desde 2024 y solo uno de cada cinco artistas exhibió su trabajo 💹 en un museo, los artistas tienen que cargar injustamente con el peso de "triunfar" en condiciones desesperadas. Las mujeres y 💹 los artistas de color enfrentan aún más barreras. En los EE. UU., las artistas identificadas como mujeres, los artistas afroamericanos 💹 y las artistas afroamericanas en todos los géneros y períodos han representado solo el 5,3% de todas las ventas de 💹 mercado desde 2008 hasta 2024, según el informe Burns-Halerpin.

Los latinos y los artistas indígenas aún no se han contabilizado.

"No tenemos 💹 escasez de genios creativos y talento", dijo el crítico de arte y curador Charles Moore, quien escribió El mercado negro, 💹 Una guía para la recopilación de arte. "Tenemos una escasez de emparejar losm con coleccionistas que compran sus obras y apoyan 💹 su salida creativa".

Independientemente de haber obtenido el reconocimiento de la galería de primer nivel, "toda la obra de arte merece 💹 ser conservada y es reflexiva de un tiempo y una experiencia", dijo Jason Andrew, socio fundador de Artist Estate Studio.

" Aunque 💹 el artista no sea internacionalmente celebrado, el arte todavía tiene valor". Sin embargo, se pierde tanto en la historia.

"Un primer 💹 paso es ser honesto sobre los deseos del artista y tener un plan de patrimonio. En el Reino Unido y 💹 los EE. UU., esto generalmente significa redactar un testamento o planificar una fiducia", recomienda Ursula Davila-Villa, cofundadora de Davila-Villa & 💹 Stothart (DVS), que ayuda a los artistas a asegurar un plan de preservación del patrimonio y la tutela.

Además, los creadores deben contextualizar su trabajo 💹 de manera que aquellos que lo encuentren puedan entenderlo mejor. "Lo más importante que he aprendido es que el artista 💹 necesita encontrar una manera de que su historia se haga accesible al público para que pueda vivir más allá de 💹 ellos", agregó Andrew. Esto podría hacerse a través de diarios, grabaciones de historias orales o incluso compartiendo su proceso artístico 💹 en las redes sociales.

Después de trasladar sus obras de arte a un espacio de almacenamiento más grande, Ortega planea dedicar 💹 tiempo semanalmente a organizar, firmar, fechar e inventariar todo su trabajo, así como catalogar y archivar sus pinturas. También desea 💹 buscar asociaciones locales con galerías regionales mediante exposiciones retrospectivas de artistas para que sus pinturas más antiguas puedan salir del 💹 cuarto de almacenamiento y compartirse con el público. Una exposición survey de sus obras de arte de Nueva York de 💹 2000-2003 se inaugurará en diciembre en ArtSpace en Raleigh, Carolina del Norte. En cuanto a los recursos, preferiría gastar su 💹 tiempo y dinero en otros emprendimientos en lugar de asistir a ferias de arte. "Me encantaría mostrarle a mi hijo 💹 el cuadro de Las Meninas en España algún día o ver el océano en Buenos Aires", soñó.

Al final, si quisiera 💹 destruir sus piezas, también sería su decisión.

"No tengo una responsabilidad cultural de dar todas mis obras de arte, ni querría 💹 imponer a mis hijos el pago del cuarto de almacenamiento", dijo Ortega.

Para aquellos que mueren sin un plan para sus 💹 obras de arte, una realidad común es que estas terminen en la basura. En 2001, cuando el tío de la 💹 neoyorquina nativa y artista mixta June Kosloff, Dick Lubinsky, murió repentinamente a los 68 años, no pudo permitir que eso 💹 sucediera y decidió convertirse en la ejecutora de sus pertenencias.

Diagnosticado con diferentes grados de esquizofrenia, Lubinsky estuvo en y salió 💹 de hospitales en la ciudad de Nueva York entre 1951 y 1958. Aunque Kosloff sabía que su tío era un 💹 artista, no sabía sobre el gran cuerpo de trabajo que había dejado atrás.

Cuando entró para aclarar el apartamento de Lubinsky 💹 en el Bronx, Kosloff encontró "un tesoro" de obras de arte nunca exhibidas. Cientos de pinturas, dibujos y cámaras antiguas 💹 estaban enterradas entre los miles de artículos acumulados que llenaban el apartamento, un cuarto de almacenamiento en Mount Vernon y 💹 el interior de tres autos.

Había retratos conmovedores de personas del vecindario a medida que Lubinsky capturaba la tristeza, la humanidad 💹 y la melancolía de las familias sin hogar y otros considerados outsiders. Kosloff quedó asombrada y se dio cuenta de 💹 que debía mostrar esta colección al mundo.

"En primer lugar, no podía dejarlo ir al campo de Potter", dijo Kosloff, refiriéndose 💹 al mayor cementerio público de cuerpos no identificados o aquellos que no pueden pagar por el entierro. "Y no podía 💹 dejar que toda su arte terminara en la basura", agregó.

Kosloff emprendió este viaje, aprendiendo desde cero. "No podía simplemente llevar 💹 todas las pinturas de mi tío a una gran galería de Nueva York y pedirles que las tomaran", dijo, refiriéndose 💹 a los establecimientos más prominentes que tienden a trabajar solo con las fincas de artistas que alcanzaron alguna validación comercial.

Después de buscar organizaciones 💹 sin fines de lucro dispuestas a mostrar al menos una porción de las obras de su tío, Kosloff curó la 💹 primera exposición en solitario de su tío en Local Project Artspace, un espacio de artistas en Queens, en 2004. El 💹 arte de Lubinski también se exhibió en una exposición colectiva en 2014 en Fountain House Gallery, una galería con sede 💹 en Manhattan que representa a artistas contemporáneos con enfermedades mentales, el Museo de Arte de Erie en Pensilvania, varias veces 💹 en la Feria de Arte de Nueva York y el Museo de Arte Americano Visionario en Baltimore (2009). "El regalo 💹 que me dieron es que cada voz de artista importa", dijo Kosloff.

El trabajo emocional realizado por aquellos que cuidan del 💹 patrimonio de un artista suele estar subpagado o no pagado en absoluto. En su práctica, Davila-Villa ha visto una disparidad 💹 de género de primera mano con sus propios clientes (aunque los estudios formales aún no han cuantificado esto): "La mayoría 💹 de los cuidadores del patrimonio de los artistas son mujeres, quienes pueden sentirse bastante solas en el largo esfuerzo de 💹 preservar el legado de un artista, que en la mayoría de los casos es un familiar", dijo.

Para Kosloff, quien siempre 💹 sintió que su tío estaba allí con ella, este viaje fue consumidor de tiempo y recursos, pero no lo habría 💹 hecho de otra manera. "Fue lo correcto y siento que logré lo inalcanzable con mi tío, y estaría feliz", dijo.

Aunque 💹 planea exhibir más de su trabajo en el futuro, Kosloff ahora se está enfocando en su propia práctica y proyectos 💹 creativos. Sus retratos a gran escala, coloridos y en memoria de familiares y linaje se mostraron en mayo en Positive 💹 Space Tulsa, un espacio de artistas en Oklahoma, en una exhibición llamada ​Recetas Para La Vida: El Cocinero Afortunado, donde 💹 también incluye una pintura en honor a su tío.

Sin embargo, pensar en la muerte plantea la cuestión de cómo promover 💹 a más artistas en la vida. "¿Qué estaba sucediendo cuando esos artistas pintaban, esculpían, trabajaban y qué habría sucedido si 💹 hubieran tenido apoyo financiero e institucional y validación de coleccionistas y escritores en su vida?" preguntó Moore. "¿Qué habría cambiado?"